Quindi questo ha sollevato la domanda: cosa rende una fotografia cinematica o fotografia cinematografica?
Proporzioni nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
Per me, è qui che è iniziata l’intera ricerca dell’aspetto cinematografico, e non c’è dubbio che un rapporto di aspetto ampio come 16:9, 2,35:1 o anche 64:25 darà allo spettatore un’esperienza più simile al cinema. Credo fermamente che noi fotografi non sperimentiamo abbastanza con le proporzioni e che alcuni di loro siano molto più utili quando si tratta di raccontare una storia rispetto ad altri e noi umani siamo inclini ad associarli a cose che abbiamo visto prima come il cinema per ampi rapporti d’aspetto, pellicola di medio formato con un aspetto 4:5 più squadrato e così via.
D’altra parte, sarà difficile mostrare scatti panoramici sui social media. Le persone consumano sempre più contenuti sui loro telefoni ed è risaputo che le immagini dei ritratti funzionano meglio solo perché occupano più spazio sullo schermo. Le riprese grandangolari potrebbero sembrare fantastiche su un grande schermo, ma sono terribili se miniaturizzate su un telefono.
Indice
Esposizione nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
La luce è sempre la cosa più importante, non possiamo avere la fotografia senza di essa. Negli ultimi anni ho notato una tendenza a schiarire tutte le ombre per avere più dettagli possibili nell’inquadratura mentre il mondo del cinema andava in una direzione diversa.
Molti film si stanno dirigendo verso un look più oscuro con ombre profonde, e questo è intenzionale! Nel mio caso, ho scoperto che se ci sono dettagli in ogni angolo di questi scatti ci sono troppe informazioni ed è facile confondere lo spettatore. Dato che stavo usando il LiveView invece del mirino ottico, potevo vedere la mia esposizione in tempo reale e per molto tempo stavo scattando da -0,7 a -1,3 EV circa. Le ombre giocano un ruolo molto significativo. I tuoi occhi non vedono al buio, quindi perché dovremmo produrre immagini con quel tipo di gamma dinamica?
Colore nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
La tavolozza dei colori che hai scelto per un’immagine, sia in post-produzione che durante le riprese, influenzerà l’intero stato d’animo della scena. Associamo determinati colori a sentimenti ed emozioni. Ad esempio, una scena in cui tutto è blu potrebbe sembrare fredda, solitaria o calma, a seconda dell’ombra, e una scena in cui il rosso è il colore dominante potrebbe dare allo spettatore una sensazione di potere/rabbia allo stesso modo in cui qualcosa di rosa potrebbe suggerirlo il soggetto è carino
Anche in questo caso, possiamo notare diverse tendenze nella fotografia e nella cinematografia. Mentre alcuni fotografi potrebbero essere tentati di scegliere un preset ciano-arancione e chiamarlo un giorno, un approccio più cinematografico sarebbe cercare di capire l’atmosfera che stai cercando di creare con il tuo scatto e sviluppare una tavolozza di colori basata su di esso. L’approccio più semplice è iniziare con due colori complementari che sono già nella tua ripresa e costruire un intero pallet su quella solida base con strumenti come il colore Adobe. Il punto di partenza più comune e talvolta noioso è il ciano-arancione perché la pelle umana può essere approssimata all’arancione mentre il cielo può diventare ciano piuttosto facilmente, ma ti sfido a provare scatti verde-rosso e viola-arancione.
Un altro trucco molto utile è cercare di abbinare i colori agli elementi che hanno toni simili nel tuo scatto. Ad esempio, se hai un’auto blu intenso vicino a un edificio di Tuques e anche il cielo è azzurro, puoi provare a mettere insieme tutti quei toni freddi e renderli tutti della stessa tonalità. Limitare Il numero di colori che hai nell’immagine finale renderà più facile capire questo è il motivo per cui la maggior parte dei gradi di colore arancione-ciano trasformano i verdi e i magenta in toni di grigio.
Luce nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
Questa sezione è più per i fotografi ritrattisti. Nel cinema, il più delle volte, l’obiettivo principale quando si impostano le luci è copiare la realtà. Quindi, se hai intenzione di scattare foto cinematografiche, sarà utile aggiungere un motivo perché una luce abbia una certa direzione.
Ad esempio, se hai una luce arancione proveniente dal lato destro di un modello, potrebbe essere un’idea interessante avere anche una lampada o una finestra nell’inquadratura che giustifichi la direzione della luce. Un’altra cosa che vedrai nei film più e più volte è la luce di Rembrandt con il lato più scuro del viso più vicino alla fotocamera, è un modo molto semplice per illuminare una persona pur essendo estremamente lusinghiero. Anche illuminare da dietro e sparare contro il sole sono tecniche che vale la pena sperimentare. Non avere la fonte di luce più grande e più brillante sul viso del soggetto potrebbe aggiungere uno strato di mistero e profondità alle riprese.
Posizione di scatto nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
Spesso siamo tentati di dire che le nostre città non sono così cinematografiche, solo perché le vediamo ogni singolo giorno e possono sembrare molto diverse dalle cose iconiche che abbiamo visto più e più volte. Nel cinema, ci sono così tanti stereotipi quando si tratta di città e di come appaiono. Alcuni ne hanno usati così tanto che, ad esempio, se vedi una spiaggia con palme e cieli azzurri con toni caldi e poca o nessuna ombra penserai che sia a Los Angeles. Allo stesso modo penseresti che sia New York se vedi edifici alti con molti grigi e molta sporcizia.
Personalmente lo capisco e lo disprezzo. Rende molto più facile riconoscere un determinato luogo, ma penso che tu possa creare un certo look per la tua città senza seguire i look che erano già stati stabiliti per esso. Usa la tua creatività e crea l’atmosfera a cui miri con la tua storia.
I livelli nella fotografia cinematica o fotografia cinematografica
Con questo tipo di proporzioni ampie, hai molto spazio intorno al soggetto che devi riempire con qualcosa. Tutto nelle riprese fa parte della storia che stai cercando di raccontare, quindi l’aggiunta di livelli all’immagine arricchirà l’esperienza per lo spettatore. Usalo per aggiungere dettagli importanti alla storia. Avere qualcosa in primo piano, anche qualcosa di piccolo come poche gocce d’acqua sull’obiettivo o un filtro antiappannamento, influenzerà lo scatto finale.
Allo stesso modo, tutto ciò che è sullo sfondo ti aiuterà a creare l’atmosfera e crea un contesto per il tuo soggetto. Anche la qualità dell’aria. Molte volte, se scatti all’interno di una stanza, l’aggiunta di un po’ di foschia o fumo creerà molta profondità alle tue immagini e allo stesso tempo darà un bagliore fantastico alle luci che hai nell’inquadratura. Più livelli hai, più complessa sarà la tua immagine, quindi non aver paura di simulare anche le imperfezioni dell’obiettivo o la grana della pellicola. Se stai cercando di emulare l’aspetto di un film vintage, la qualità dell’immagine finale dovrebbe corrispondere all’epoca in cui stai cercando di posizionare la tua storia.
Si tratta di emozione
La cosa più importante nella cinematografia, direi, è la capacità di una certa inquadratura di aggiungere dettagli alla storia, di imprimere emozioni nello spettatore o di esaltare le azioni rappresentate. E noi fotografi abbiamo molti strumenti a nostra disposizione per ottenere proprio questo.
